31 ene. 2013

Series mutantes: la última temporada de El Equipo A


En 1972, un comando compuesto por cuatro de los mejores hombres del ejercito americano fueron encarcelados por un delito que no habían cometido. No tardaron en fugarse de la prisión donde estaban recluidos. Hoy, buscados todavía por el gobierno, sobreviven como soldados de fortuna. Si tiene usted algún problema y se los encuentra, quizás pueda contratarlos. Son ¡EL EQUIPO A!  

En las últimas semanas se han dado dos sucesos que no tienen nada que ver el uno con el otro pero que a mi me han llevado a escribir este post: por un lado el final de Fringe; por el otro que en Nitro, donde lo repiten como repite su hermana mayor A3 Los Simpson, llegaron a la última temporada de El Equipo A. Parecen series que no tienen nada que ver pero en el fondo tienen una característica en común, son series que han mutaron durante su emisión.

Una serie mutante es, por ejemplo, Cosas de Casa, una serie que empezó siendo una típica comedia sobre una familia negra de Chicago y terminó siendo el show de comedia-ciencia-ficción de Steve Urkel. En España también tenemos ejemplos de estas mutaciones en series como La Que Se Avecina, que de ser un Aquí No Hay Quién Viva en otro edificio y con los nombres de los personajes cambiados se ha terminado convirtiendo en una oda al surrealismo, el absurdo y la enajenación mental transitoria como no se veía desde la Trilogía Nacional en la ficción española. En Fringe, que ya empezó a tener brotes en la cuarta temporada, esta mutación se ha producido en la recién terminada quinta y última temporada, donde la acción se trasladó al futuro y los habituales perseguidores ahora se veían convertidos en perseguidos [1]. Pero mejor vamos ya a la serie protagonista de este post: El Equipo A.


Una serie conflictiva

 



El Equipo A fue la gran apuesta de la NBC para la temporada 83-84, tanto que la estrenaron a continuación de la Superbowl XVII [2]. 24 millones de espectadores vieron el capítulo, que se ambientaba en centroamérica y había costado un buen montón de dinero, y las sensaciones no fueron muy buenas. A esto había que sumarle que los productores, Frank Lupo y Stephen S. Cannell, no habían podido conseguir a su protagonista deseado, el gran James Coburn, y se habían tenido que conformar con el olvidado y problemático George Peppard [3] para el papel del coronel Hannibal Smith

Por lo tanto hubo que realizar cambios a marchas forzadas: disminución de la violencia hasta el nivel paródico que se convertiría en marca de la casa, radicalización de los personajes de Murdock y M.A. y cambio en el actor que interpretaba a Fenix, pasando del joven Tim Dunigan (que la verdad es que no daba el pego) al más curtido y popular Dirk Benedict. Los cambios surtieron efecto y El Equipo A se convirtió en una de las series más populares de la década [4].



Sin embargo los problemas de la producción no cesaron y casi todos por un mismo desencadenante: el carácter imposible de George Peppard. Machista y racista estuvo toda la serie enfrentado con Mr. T porque no entendía como podía cobrar lo mismo que él, una estrella de Hollywood (cuando Peppard llevaba años fuera del primer nivel hollywoodiense y Mr. T llegó a la serie con el taquillazo de Rocky III a sus espaldas). También hacía imposible (con ayuda de Benedict al parecer) la vida a sus compañeras femeninas de reparto y después de que Melinda Culea (T1) y Marla Heasley (T2) se bajaran del barco consiguió su objetivo a partir de la tercera temporada: una serie de machos para machos [5].

Tales tensiones y la bajada de audiencia en la cuarta temporada que sacó a la serie del Top 10 de la parrilla, llevaron a los productores a dar un nuevo golpe de timón todavía más fuerte al dado entre el piloto y el resto de la primera temporada. Este golpe de timón se conoció como:


La última temporada de El Equipo A

 



En el último capítulo de la cuarta temporada, el general Fulbright, el último de los numerosos militares que persiguieron al Equipo A a lo largo de los años, recurre a Hannibal y sus chicos para que le ayuden a rescatar a su hija en Vietnam. La incursión en terreno hostil termina con Fulbright muerto [6] y con El Equipo A incorporando a sus filas a la hija de este, interpretada por la entonces joven y prometedora (y muy rica) Tia Carrere.

Sin embargo los productores deciden obviar todo esto de cara a la quinta temporada y hacer un reset y un lavado de cara mediante un ambicioso arco argumental que incluía los tres primeros capítulos de la temporada y en el que podíamos contemplar un rescate por todo lo alto en España, el esperado juicio al Equipo A, un fusilamiento y al Equipo A, ahora formado por cinco integrantes gracias al fichaje del coletudo experto en efectos especiales Frankie Santana (Eddie Velez), instalado en una cómoda y polifacética mansión en Virginia y convertido en el equipo de operaciones especiales del ladino General Stockwell.

El tal general Stockwell fue el gran fichaje de la temporada ya que estaba interpretado por Robert Vaughn, muy conocido por su participación en Los Siete Magníficos y, sobre todo, por ser Napoleón Solo en la legendaria serie El Agente de CIPOL además de ser gran amigo de George Peppard [7]. Junto a los cambios en el reparto también se actualizó el opening modificando la sintonía y eliminando la popular entradilla que todos los niños (y no tan niños) del mundo nos sabíamos mejor que la cartilla.

Con tanto cambio se pretendía dar un tono más serio a la serie, acercándola a, por ejemplo, Misión Imposible. Lo cierto, sin embargo, era que desprendía más bien tufillo a El Coche Fantástico y su Fundación para la Ley y el Orden... y la serie protagonizada por David Hasselhoff ya había sido cancelada la temporada anterior debido a sus bajos índices de audiencia y calidad. Mismo destino corrió El Equipo A, que fue cancelada después de una temporada de solamente 13 episodios [8] y en la cual se cayó del Top 50 de series de la parrilla [9].

Un final poco digno para una de las series más importantes de su generación y probablemente la que más ha perdurado en el recuerdo colectivo de la sociedad occidental hasta nuestros días.



Un saludete, guap@s.

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[1] Mejor no seguir hablando de Fringe, que está recién finalizada y se podría incurrir en numerosos spoilers para los que no la lleven al día.

[2] En la cual los Redskins de Washington ganaron sin muchos problemas a los Dolphins de Miami.

[3] Tan sólo dos años antes había conseguido el papel protagonista de Dinastía... y había abandonado la serie en mitad de la grabación del piloto. La última de sus múltiples tropelías después de sus años de gloría en los 60s.

[4] De hecho su segunda temporada tuvo una audiencia de más de 20 millones, siendo la cuarta serie más vista de toda la parrilla televisiva.

[5] Una de sus excentricidades más conocidas fue cuando invitaron a los cuatro protagonistas a un programa en la tele holandesa. Peppard creía que la invitación era sólo para él y cuando se encontró en Holanda a sus compañeros montó en cólera y rechazó aparecer en el programa.

[6] El primer muerto de toda la serie.

[7] Se dice que una de las principales razones para su contratación fue para poder controlar mejor a un Peppard cada vez más insoportable.

[8] Curiosamente la quinta (y última temporada) de Fringe también tiene 13 episodios.

[9] Hay que tener en cuenta que eran otros tiempos y que ahora, con las cifras que manejaba El Equipo A en sus últimos capítulos (9 millones de espectadores), se consideraría todo un éxito de serie.

25 ene. 2013

La chica de la semana: Lyndsy Fonseca

 
Lyndsy Fonseca. 26 años. Californiana. Actriz. Casada con un tal Matt Smiley... pero en trámites de divorcio. La has visto en Cómo Conocí a Vuestra Madre, Kick-Ass o Nikita. La vas a ver en Kick-Ass 2 y en Nikita mientras no la cancelen. Le gustan los helados e Instagram. Es la Chica de la Semana en Nunca seré Clint Eastwood. Enhorabuena. 

Un saludete, guap@s.

22 ene. 2013

Galaxia Kalimero

Este post la verdad es que seguramente no resulte interesante para nadie más que yo mismo pero bueno, en el fondo escribo este blog para mi, así que...

La cuestión está en que además de escribir aquí (y de ser super pesado y cansino por Twitter), también escribo en otros blogs como Poprosa o Genbeta Dev (curiosa combinación, lo se), aparte de colaborar esporádicamente en Happing o 1001 Experiencias... y hay algún post que incluso es bueno por lo que he pensado recopilar aquí algunos de los más interesantes o exitosos que he escrito allí en los últimos meses. Algo así como una Galaxia Kalimero.


A todo esto he resucitado también Una del Oeste (a ver por cuanto tiempo) y Mini Kalimero sigue siendo uno de los tumblelogs de ineludible visita.

Un saludete, guap@s.

18 ene. 2013

Django Desencadenado

DJANGO DESENCADENADO (Django Unchained, USA 2012)
Director: Quentin Tarantino
Reparto: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Kerry Washington, Samuel L. Jackson, Walton Goggins, Don Johnson
Duración: 165'

¡Cuidado! Warning! Achtung! Posibles spoilers que salpican y te dejan perdido

Quentin Tarantino es un tipo peculiar, particular, único. Pocos pueden decir que con sus dos primeras pelis han creado un género (el tarantiniano en este caso) y además un género exitoso con multitud de adeptos e imitadores a lo largo de los últimos 20 años. Pero es que ninguno más que él [1] puede decir que luego lo abandonó y se dedicó a vampirizar y dignificar sus géneros (y subgéneros) favoritos. En Jackie Brown el cine negro clásico, el cine de venganzas y de artes marciales oriental en el díptico Kill Bill, en Death Proof a la exploitation setentera y al cine bélico de serie b en Malditos Bastardos. Todo ello sin dejar de ser nunca si mismo y de construir un rico (y con sus reglas propias) universo propio y particular. Le quedaba el spaghetti western y aquí tenemos por fin Django Desencadenado.

Muchos lo único que conocen del spaghetti western son las pelis de Sergio Leone, obras maestras absolutas de la historia del cine. Pero Tarantino es un erudito y se conoce el género de pe a pa, incluyendo las múltiples caspas y son estas precisamente las que más influyen este Django Desencadenado. Además como Tarantino es amigo de la mezcla y el mestizaje, cruza este spaghetti western con un género ubicado en el mismo espacio temporal y con el que, curiosamente, nunca se había mezclado: el cine esclavista, el cine de plantación. Un Le Llamaban Trinidad Vs. Lo que el Viento se Llevo de casi tres horas de duración del que Tarantino sale, como era de esperar, victorioso.

La historia de Django Desencadenado es, como siempre en Tarantino, sencilla en apariencia: el doctor King Schultz, dentista alemán reconvertido en cazarrecompensas, libera al esclavo Django a condición de que este le ayude a encontrar a tres maleantes por los que hay una buena recompensa ya sea vivos o muertos. Una vez concluida su misión, Django parte para rescatar a su mujer Broomhilda de las garras del psicópata señorito del algodón Calvin Candie. El Dr. Schultz decide acompañarlo pero lo cosa no sale como estaba planeada y Django se convierte en una especie de Kunta Kinte enfurecido en busca de venganza y libertad.

Todo esto aderezado por una dirección de actores tan acertada como siempre [2], cameos de lujo (el gran Franco Nero, Jonah Hill, los habituales Tom Savini o Michael Parks o el mismo Tarantino con una aparición muy explosiva), los típicos diálogos que no sabes si son una parida o tremendamente brillantes, violencia desatada y sangrienta (dura y cruda cuando la reciben los negros, exagerada y paródica con es hacia los blancos) y una banda sonora elegida al milímetro que mezclas piezas clásicas del spaghetti de gente como Morricone o Bacalov, con rap noventero (2pac) y country sudoroso (Johnny Cash) y que por primera vez en Tarantino contiene temas creados especificamente para la película por gentes de la talla de RZA, Frank Ocean o Ennio Morricone (la bellísima Ancora Qui [3]).

¿Peros? Pues quizás el abuso del zoom, un recurso muy del spaghetti casposo que tanto le mola a Tarantino (y a mi) pero que queda muy afectado, muy de La Hora Chanante y la poca chispa de Jamie Foxx y su escasa química con Kerry Washington (raro porque en Ray si que tenían muy buena química los dos), es una pena que Will Smith [4] al final se acobardara y no aceptara el papel. También se critica el escaso rigor histórico de la película pero lo cierto es que no se trata de ningún documental histórico, es una peli de aventuras enclavada dentro del universo tarantiniano, un universo donde se fuma Red Apple, Hitler murió acribillado en un cine de París y los señoritos de las plantaciones se entretenían con la lucha mandingo a muerte entre sus esclavos y los traspasaban como si de CR7 e Ibrahimovich se trataran. 

En definitiva, un nuevo peliculón del señor Tarantino. Que no se retire nunca.

Pd: Django Desencadenado se estrena hoy en España, casi un mes después que en USA... luego la gente del cine se queja de piratería y tal...

Nota: 9/10

Un saludete, guap@s.

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[1] Si, soy muy fan de Tarantino y los más viejos del lugar seguro que recuerdan aquel Verano Tarantiniano en homenaje al estreno de Death Proof

[2] Waltz y DiCaprio lo bordan sin olvidar a Samuel L. Jackson y su odioso Stephen

[3] Alucino con que no esté nominada a mejor canción en los Oscars... pero de los Oscars y las canciones ya hablaré en un post venidero si nada lo impide

[4] Tarantino escribió el papel de Django pensando en él. Los del Dr. Schultz y Calvin Candie si fueron interpretados por los dos actores que Tarantino tenía en mente cuando los escribía

14 ene. 2013

Top 10: Canciones de Pitbull


Miami. Años 80. Hay muchos lugares y muchas épocas en los que hubiera molado vivir pero ninguno como la conjunción espacio temporal de Miami en los años 80. Ese crisol de sol (perdón por la rebuznancia), droga, latin jazz, lanchas motoras y trajes de colores tono pastel es inigualable y ahí están El Precio del Poder o Corrupción en Miami para demostrarlo sin ningún género de dudas. A muchos nos hubiera gustado vivir allí, algunos conseguimos replicarlo (los que nos viciamos cosa loca al GTA: Vice City de los amos de Rockstar) pero sólo los elegidos pudieron vivirlo y mamarlo en el mundo real. Armando Christian Uria Ruiz Pérez fue uno de ellos.

Quizás el nombre de Armando no te diga nada a priori pero si te digo que sus amigos de adolescencia le pusieron un mote debido a que su manera de rapear les recordaba a la manera de morder de un perro de una determinada raza, la cosa cambia. Sí, estoy hablando de Pitbull, un hombre criado en Little Havana en los sudorosos años 80 al que el nuevo siglo y sus nuevos códigos han convertido en leyenda, el Lionel Ritchie (y al mismo tiempo el Don Johnson) de nuestra generación.  

Muchos no se lo toman en serio pero el amigo Armando es el más grande de nuestro tiempo y es hora de que reciba el homenaje que se merece en forma de un Top 10 de sus mejores y más grandes canciones. Venga, dejemos de marear la perdiz y que empiece el flow, ya tu sabeh.